紐約古根漢美術館與康丁斯基

如果在紐約的中央公園向周邊望去，曼哈頓的天際線都是筆直地往上，只有在上東城產生一些違和感，一座宛若積木的白色建築，螺旋狀的主體與周邊的建築呈現不協調感。

 

在上東城的古根漢博物館，是全世界古根漢美術館的總部，成立的最早，原本被稱為The Museum of Non-Objective Painting，主要收集二十世紀的抽象畫，像是康丁斯基、蒙德里安或是米羅的作品。

美術館的建築在1943年由萊特所設計，由於戰爭的關係，以及古根漢先生的辭世，古根漢美術館直到1956年才動工，1959年建築師萊特去世時，工程仍在持續中，直到同年的十月才完成。
 

外型宛如一只茶杯，也有人說像白色彈簧、或是飛碟、海螺和貝殼，完工時在公眾與建築界都引起很大的討論。曼哈頓的建築其實很單調，因為地小人稠的關係，建築都盡量筆直地往上，以容納更多的人口進駐，而這種怪異的建築無疑是對周邊景觀的一種挑戰。

 

走進建築之中，屋頂中央為透明的採光罩，讓光線自然流瀉而入，整體的空間完全的開放，透過盤旋而上的走廊，使得空間呈現出連續無間斷的感覺，有點像是現在的立體停車場，行進之間就漸漸地上升高度。

古根漢美術館是建築師萊特（Frank Lloyd Wright）在紐約唯一設計的建築，高30公尺的圓筒形建築，底部直徑28公尺左右，向上逐漸加大。

 

萊特以往的建築大部分是私人宅邸，去世之前作品已經超過六百件，聞名的草原住宅，設計強調自然與光線。在1930年代最為著名的是賓州的流水別墅(Falling Water)。萊特強調直角與直線，古根漢美術館是他嘗試立體的螺旋狀結構，由於是美術館，他希望在參觀的過程之中可以讓觀眾的美學體驗連續、不間斷，以3%的坡道緩慢上升，觀眾不知不覺之中就參觀完展覽。

萊特的想法是將藝術品沿著坡道陳設，透過上方圓頂流瀉近來的自然光，作為欣賞美術品的光線。萊特認為：「在這裡，建築第一次表現為塑性的。一層流入另一層，代替了通常那種呆板的樓層重疊。」

 

紐約古根漢美術館之中最重要的作品當屬二十世紀的抽象畫作品，其中我最喜歡的就是康丁斯基的畫作。康丁斯基出生於俄國，三十歲時在法國看到印象派的作品，決定改行當畫家。

20世紀初期的康丁斯基在歐洲各地遊歷，除了印象派的畫家，也接觸野獸派的作品，對於顏色和畫作的形式有了不同的想法。20年代之後的畫作由早期浪漫的幻想轉變為幾何抽象，奠定了作為一個畫家的風格。

 

紐約古根漢美術館的收藏之中，康丁斯基一直都是鎮館之寶，每隔幾年就會以不同的主題重新詮釋康丁斯基的作品。

 

康丁斯基將不同的幾何元素入畫，以直角、銳角、鈍角、直線、曲線和圓圈做為畫的基調，他認為幾何元素代表了各式各樣不同的情感：「『直角』表現一種冷靜、抑制的情感，『銳角』表現出一種尖銳的、運動感的特性，『鈍角』則是一種軟弱的無力感。」不同的「角」在畫布上交疊與重疊即是不同情感的撞擊。

除此之外，對於音樂相當有天分的康丁斯基，經常使用音樂的語言詮釋他的抽象概念，康丁斯基將音樂的節奏與不同的顏色相互對應。

 

如何表現聲音呢？康丁斯基透過色彩呈現動態的幻覺，使視覺產生不同的效果，宛如餘音繞樑的感覺。

今年七月在古根漢美術館中展出的《康丁斯基在巴黎》的作品，由於二次世界大戰，康丁斯基在巴黎的郊區渡過餘生，這十年之中其畫作已趨成熟，重複且大量其以前所運用過的元素。

 

欣賞抽象畫總是帶有一種無以名之的深刻感受，我也看過一些評論家的解釋，但對於畫本身，我採取的是一種感性的神入，而非過多的分析。比如1940年的這幅Around the Circle，康丁斯基對於「圓」有一種執迷，從20年代就開始創作很多以「圓」為核心的繪畫，有些評論稱之為暗夜的星空，其他則穿鑿附會的比喻成各式各樣的形體，但如果能進入更深層的意識世界，讓這些不同的形體與顏色成為想像的泡泡，不強作解釋，只求一種單純的美感體驗，或許能夠理解更為深層的精神面向。

對於抽象畫與康丁斯基，我沒有太深刻的認識，但是我本來以為將繪畫分解成幾何元素的康丁斯基，所表現的會是相當理性和科學的，但當我看著他的畫，卻被這些簡單的幾何圖形吸引，沒想到簡單的元素拼湊在一起，卻有無窮無盡的變化。在康丁斯基的畫作中，有時感到溫暖、有時體會到哀傷，不同的感覺在抽象的形體中敘說著。

 

當我帶著我的感覺離開紐約的古根漢美術館，回家之後翻看康丁斯基的《藝術的精神性》，他的色彩理論其實根據的是經驗感覺，而非任何明確的科學。康丁斯基還是將其畫作建立在感官的經驗上，將這些感性的層面抽絲剝繭，化成抽象的圖形，其本質還是感性和浪漫的。